2017-03-15

José Manuel Ballester

José Manuel Ballester. 
3 de Mayo, 2008. fotografía sobre lienzo. 286x347 cm


José Manuel Ballester
La última cena, 2010. Fotografía sobre lienzo

































Tabacalera. Madrid, 2010



















José Manuel Ballester es premio nacional de grabado en 1999 y Premio Nacional de Fotografía en 2010. 


AQUÍ su web
AQUÍ +info a partir de una expo suya



2017-03-13

Tipos de archivo

John Trevino

 




John Trevino


John Trevino nació en 1972 en Long Beach, California. Desde su Licenciatura en la U.C. Santa Bárbárbara en 1995, es conocido por sus trabajos murales en ciudades como Los Ángeles y Washington, D.C. Además, recientemente ha tenido su primera exposición individual en el Watts Towers Art Center. En cuanto a la elección de este artista, me ha llamado la atención el amplio abanico de técnicas que utiliza:Trabajando principalmente en pintura y medios mixtos, Trevino siente que la gama de estos materiales refleja la diversidad de sus experiencias y permite al artista una flexibilidad y libertad a la hora de documentar aspectos de la cultura contemporánea.


En su serie SunkenJPEGS (2011), utiliza una técnica de impresión para la que utiliza impresoras de pigmentos de archivo. Estas impresoras producen una coloración especialmente estable de la imagen, que las primeras impresoras de chorro de tinta no podían en cuanto a la acidez de las tintas y los productos químicos utilizados. Los sustratos resistentes a la decoloración utilizados por las impresoras de gran formato en la impresión de pigmentos de archivo han llegado a asociarse con Epson e impresoras que utilizan el proceso CMYK. Como resultado, la industria del arte empezó a emplear pigmentos para mantener la calidad del arte gráfico.

Las exploraciones fotográficas de John Trevino sobre el Pacífico costero transmiten un tono contemporáneo de colores diferentes. Para esta serie, Trevino convocó a una reunión de extraños en los acantilados de San Pedro, a lo largo de la costa al sur de Los Ángeles. Su objetivo era lograr una serie de retratos individuales que comunicasen el estilo particular de cada nadador en el agua. Cada retrato capta la luz, la flotabilidad y la impotencia sin aliento de este dominio temporal.


Enlace para ver su obra completa: 





Otros enlaces


Homo Velamine

Homo Vilamine (“El mono vestido”) és una revista de caire ultrarracionalista fundada a 2013 a Madrid, caracteritzada pel seu moviment cultural incipient que interpreta la realitat des d’un punt de vista artístic i filosòfic. Aquesta idea ‘d’estirar la raó’, enraona com de manera la ficció i la realitat entren en una convergència on es poden senyalar els valors, comportaments o creences, evidenciant uns patrons sociològics. Entre els seus temes recurrents es troben el consum, la política, els moviments socials, l’economia, l’art i la concepció del esser humà, a través d’una producció del món digital, literatura, audiovisuals, disseny, il·lustració i fotografia. El grup es va començar a fer conegut per les diferents intervencions que feien en actuacions o esdeveniments polítics, amb un total caire irònic i humorístic, com vestir-se de ‘cleroflautas’ a Vistalegre, protagonitzar una organització  de ‘Feministes con Esperanza Aguirre (FEA)’ o ‘Hipsters con Rajoy’.

La obra del col·lectiu marquen una pauta molt regida en l’ostentació d’una realitat social i política, immersos en una dinàmica tan d’activista com d’intervencionista. D’aquesta manera, porten el seu missatge des d’una vessant visual a un nivell gràfic simple i directe. Totes les recopilacions del col·lectiu segueixen un recapte de fenomenologia social espanyola, condescendents amb la cultura del subsòl a través de fonts directes. El resultat no s’entén sense comprendre la globalització com un efecte de la introducció de la informació i de les tecnologies, convertint-se en un circuit d’interaccions digitals on es conserven els grans relats de la gerontocràcia.

Les creacions gràfiques van molt lligades a l’idea i trajectòria que proposen a cada publicació, creant una gran xarxa a internet d’apropiacionisme i d’intervenció gràfica sobre les diferents xarxes socials. Aquesta apropiació de la informació publicada i d’allò registrat, acaba formant una obra de grans dimensions d’arxivisme contemporani per mitjà d’un retrat extens de la societat espanyola en dos grans blocs, ‘Franco es Kitsch’ i ‘Gente entrañable’.
El procés de captació visual s’especula que s’ha fet des d’un treball on diferents qüestions són de caire important per no perdre qualitat en les composicions encara l’evident simplicitat, tocant els conceptes generals de píxels, resolució i mida. Per més que des de Photoshop s’augmenti la resolució de la imatge, no s’augmenta la qualitat per la interpolació per defecte bilineal o bicubica que proposa el programa. Per l’augment, doncs, es cerca una nitidesa on l’artificialitat no destrueixi la imatge sense generar tanta pèrdua. Des del mètode Nearest neighbour, troba els veïns per dpi segons la resolució de la imatge obtenint diferents píxels equivalents, en una ampliació/reducció en base a càlculs geomètrics garantint de 240 a 300 píxels per pulgada en remostreig a la mida. Finalment, per desar en versió optima per web ho fan amb Giff, per no tornar a un desenfoc pixelat i maquetar posteriorment amb els mateixos programes del pack Adobe, Illustrator i InDesign.

Homo Vilamine, d’altra banda, crea resultats amb diferents mitjans com serien els cal·ligrames amb edició digital o Giff en moviment amb CMYK, sempre amb el seu estil inconfusible des d’una perspectiva política i humorística, sent un arma digital en les xarxes socials i entrant en el panorama gràfic. 

http://www.homovelamine.com/ 
http://www.homovelamine.com/publicaciones/
https://www.youtube.com/user/homovelamine





2017-03-12


Tito Merello Vilar
























Tito Merello Vilar és un artista contemporani que treballa amb eines gràfiques per tal de realitzar la seva obra. Utilitza l’aplicació Procreate per iPad i el Corel Painter. És de Barcelona i és arquitecte i il·lustrador. Ha fet un parell d’exposicions de les seves obres. 
És molt conegut a les xarxes socials, és així com dóna a conèixer la seva obra. Mostra les seves il·lustracions a través del seu compte d’Instagram, on té més de cinquanta-dos mil seguidors d’arreu del món.

Dibuixa sempre a través d’una tableta gràfica, utilitzant els programes citats anteriorment. És característic en la seva obra l’ús de la línia per crear textures i ombres, entrellaçant-la i creant patrons. La taca és minoritària però també l’utilitza per aportar color o fons als dibuixos. Normalment, els motius que utilitza són retrats o nus femenins i, sobretot, fa referència a personatges o escenes famoses del món del cinema, la televisió i el teatre.

He escollit aquest il·lustrador perquè és un gran exemple de l’art de masses actual, de com l’art circula i es valora a través de les xarxes socials i el prestigi es basa en els likes. Però, aquest, sempre és un art que requereix una sèrie de característiques, com el realisme, els colors intensos, el dibuix digital i, sobretot, que sigui molt visual.

Definiria el seu art com altament comercial. La similitud amb la realitat i la exacta representació de les característiques facials en els retrats condueixen a la fascinació dels seguidors. És un art que no cal entendre, no té un transfons complicat ni busca significar o criticar, és bonic i fàcil, popular. El realisme, els personatges famosos, la figura femenina, les eines gràfiques... són els ingredients ideals per obtenir un gran nombre de seguidors i likes a les xarxes socials. Més enllà d’això, caldria qüestionar si la seva obra té un valor artístic o si el seu únic objectiu és comercial.


ENLLAÇOS
https://www.youtube.com/watch?v=mQYIG41BBac

2017-03-11


Bobby Chiu
Raquel Luaces Fernández

Laboratorio de Aplicaciones Gráficas
Curso 2o, Grupo 3B
Bellas Artes
 



El artista que he elegido para investigar sobre su trabajo es Bobby Chiu, quien trabaja en ilustración y animación con la herramienta Adobe Photoshop. He elegido a este artista contemporáneo precisamente por dedicarse a la ilustración, terreno artístico que me llama la atención desde hace años y al que me gustaría dedicarme.
Los intereses de este artista son principalmente la creación de dibujos animados e ilustraciones en esta línea, y como él dice, está “especializado en criaturas”.
Utiliza las aplicaciones gráficas para dibujar digitalmente, probablemente con Photoshop, aunque no está especificado en ninguna de sus páginas web y también para realizar animaciones con sus dibujos, los cuales previamente realiza con papel y lápiz como se verá en una imagen que añadiré debajo.




Trabaja actualmente para la empresa Imaginism Studios, de la cual es director creativo. Fue fundada por él y por Kei Acedera el 9 de Marzo de 2005.
Son un estudio de Toronto especializados en la producción de personajes y diseños para películas, televisión, videojuegos y publicidad.
Según se explica en la página web de esta empresa (http://www.imaginismstudios.com) , “la carrera artística de Bobby comenzó a la edad de dos años con una caja de lápices de colores y las paredes blancas de la sala de estar de su familia. Obtuvo su primer trabajo de arte profesional a la edad de diecisiete años, diseñando Disney, Warner Bros., y juguetes de Star Wars.”
Bobby ha ganado varios premios por su trabajo independiente y ha sido presentado en varios anuarios y revistas de arte. Actualmente trabaja en concepto y diseño de personajes, enseña pintura digital en línea en schoolism.com y publica libros de arte.

Según él mismo afirma, lo que más le gusta de ser un artista independiente es que tiene un control total sobre lo que hace, puede escoger los proyectos que más le interesen o crear los suyos propios. 




Bobby Chiu también tiene una cuenta con su portfolio en la siguiente página web (https:// bobbychiu.artstation.com) donde se encuentran más de sus obras e incluso algunos de sus bocetos a lápiz.








He descubierto además que éste artista ha participado en el diseño de algunas de las cartas de uno de los videojuegos más famosos del mercado, Hearthstone, de la compañía Blizzard Entertainment. 

Tabla de archivos


2017-03-10




                                                                       

                                                                        IZUMI MIYAZAKI

             

                         


Izumi Miyazaki és una jove artista japonesa graduada a la Musashino Art University coneguda pels seus autoretrats surrealistes a on juga amb irreals i divertides situacions. Les seves fotografies mostren escenes suggerents desenvolupades en escenaris de la vida quotidiana que es tornen fascinants. 

Amb un gran sentit de l’humor l’autora ens mostra imatges molt personals i cuidades fins a l’últim detall a on la composició, els colors i la llum són els protagonistes d’una obra que barreja la fotografia i el muntatge amb Photoshop, el qual l’hi serveix per explorar els límits de la realitat. 

He escollit aquesta artista per la seva manera de tractar el Photoshop en les seves fotografies, una forma molt directa i personal.




KAREN CANTÚ





Karen Cantú Quintanilla és una dissenyadora gràfica mexicana. Actualment viu a Monterrey. Va iniciar la seva formació cursant disseny industrial dos anys fins el 2010. Posteriorment va fer medicina, fins el 2014 que va començar els estudis en Interior architecture a l’escola CEDIM ( Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey).

En les seves creacions utilitza bàsicament els recurs del Photoshop i ilustrator, fusiona objectes i animals de diferents entorns i  els contextualitza en llocs que no li son propis, creant així imatges amb un ambient de fantasia i amb un punt d’humor.

He decidit escollir aquesta autora perquè em va cridar moltíssim l’atenció les imatges. Estan molt ben editades, i tot i que crea escenes impossibles són totalment versemblants. A par que li dóna una essència màgica a la imatge que m’atrapa molt.



Taula d'arxius



Ordenador cuántico?

Noticia de El Pais sobre el ordenador cuántico que está desarrollando IBM.
Aquí: ver

Entrevista a José Ignacio Latorre, autor del libro "Cuántica. Tu futuro en juego".  Habla de las posibles implicaciones sociales de los ordenadores cuánticos.
Aquí: ver

2017-03-09

TABLA DE ARCHIVOS

TAULA DE ARXIUS

Storm Thorgerson





Storm Thorgerson fue un diseñador gráfico británico, nació en Inglaterra en 1944, estudio en el Royal College of Art de Londres.
Públicamente conocido por ser miembro de Hipgosis, un grupo de diseño que creo portadas de discos y singles, tales como Pink Floyd en The Dark Side of the Moon, entre otros grupos famosos como Muse, Led Zeppelin, Scorpions, The Chamberries..

Descrito por algunos como el moderno Dalí, Man Ray o Magritte, aportando a todas las bandas con las que trabajo una estética  característica. 
Pocas veces podemos decir que la portada este al nivel de la música de grandes artistas pero en mi opinión es una de ellas.

Thorgerson rechazó en gran medida la tecnología digital, insistió en realizar prácticamente todas sus fotografías en la realidad, como por ejemplo el álbum de Pink Floyd A Momentary Lapse of Reason, para realizarlo contrató cuatro tractores y 30 ayudantes para colocar 700  camas de hierro de hospital en una playa, a pesar de tardar seis horas, ponerse a llover y tener que repetir el proceso una semana después, hizo la foto. Sus fotografías no destacan por un proceso de edición digital sino al contrario, rayaba el mismo las fotos, creaba realmente los escenarios.

Sus diseños se caracterizan por el toque surrealista, descontextualizando elementos cotidianos, mostrando nuevos imaginarios al margen de la pura realidad. Aumentando elementos hasta el punto de la extrañez, o repitiendo patrones.
Su técnica de creación se basa en montajes visuales, colocados en lugares oníricos, teniendo ademas muy en cuenta la composición geométrica del diseño, provoca de esta manera imágenes muy impactantes y potentes, perfecto para el mundo discográfico de los años 60.
Actualmente es valorado como el mejor diseñador de portadas de disco del mundo.
Storm Thorgerson murio el 29 de Abril de 2013.
R.I.P



María Gutiérrez






   PINK FLOYD
THE MARS VOLTA

 
SATURDAY SUPERHOUSE


http://www.stormstudiosdesign.com/
http://cultura.elpais.com/cultura/2013/04/20/actualidad/1366489590_333365.html
https://hipersonica.com/storm-thorgerson-e-hipgnosis-la-historia-del-rock-en-unas-cuantas-portadas-c8262ad4c653#.54g3cf7uj

Man Ray

                                                               

Emmanuel Radnitzky (1890-1976):

Man Ray fue un importante artista americano que estableció su vida y obra en Paris de los años 20 a los 40. 
Antes de ello vivió en Nueva York, donde entabló gran amistad con Marcel Duchamp y  encaminaría hacia los círculos artísticos y dadaístas neoyorquinos. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como La estrella de mar (1927)

Al trasladarse a París su estilo artístico crece y se desarrolla en el dadá parisino, rodeándose de figuras como Salvador Dalí o Kiki de Montparnasse, amante y modelo de muchas de las fotografías de Emmanuel.

En realidad, Man Ray empezó su obra artística en la pintura. No era muy apreciado por los galeristas de Nueva York. Sin embargo comenzó a fotografiar sus obras y a realizar pequeños retoques manuales, jugando con los materiales y la propia fotografía. Es entonces donde empieza a resultar una obra muy interesante. Se centró en el estilo artístico de Marcel Duchamp y los ready-mades, fotografiando muchas de las piezas de su amigo. 

Tiene un estilo fotográfico muy concreto y diferenciable que lo convierte en alguien reconocible y figura de aprendizaje. La mayor parte de su obra es en realidad parte de un complejo laboratorio de experimentación en el revelado y el retoque. Más allá de lo que representaba un bodegón como por ejemplo puede ser esta primera imagen, lo que en realidad interesaba a Man Ray es el trabajo del color, exposición y si, finalmente la configuración de los elementos. 

Por ejemplo en el tercer ejemplo que expongo de este artista, juega con el rostro de la modelo y de la mascara tribal, que concentra mucha intensidad del color negro al igual que el pelo de la modelo Kiki. 

En la segunda imagen se aprecia el interés artístico de Man Ray del brillo y transparencia de las gotas de agua en una situación comparativa con los ojos, pupila e incluso pestañas de la modelo.

 Untitled Rayograph, gelatin silver photogram, 1922


Les larmes, 1936

Noire et blanches 1926












MAN RAY, LIBRO FOTOGRAFIA ARTISTICA, EROTICA, AÑO 2000 

Taula d'Arxius





Ren Hang



Ren Hang era un fotògraf xinès nascut l'any 1987. Va lluitar tota la seva vida contra la depressió i el passat 24 de febrer es va suïcidar.
La seva fotografia caracteritzada per l'erotisme de retrats nuus, l'explicitat i la cruesa ha estat molt criticada i ha creat molta controvèrsia allà on ha anat.
Amb 17 anys Ren va començar a estudiar màrqueting, però no li va caldre gaire temps per adonar-se'n de què no li agradava i, en un intent per distreure's es va comprar una càmera compacta de carret.
Es va convertir en un fotògraf reconegut mundialment però tot hi això a Xina va ser molt perseguit fins que, finalment el van censurar permanentment. Però això no va ser pas un impediment perquè la seva obra continues creixent i així arribar a exposar arreu del món.
Ren realitza totes les seves forografies amb cameres compactes de carret i sovint algunes d'elles són editades.

He escollit a Ren Hang perquè el trobo molt inspirador i, sobretot m'agrada com tracta el tema de la sexualitat en un país com Xina, on és vista com a tabú.

http://www.renhang.org/
https://www.youtube.com/watch?v=FdnZlynWFMs




Tauler d'arxius

Exercici 2. Taula d'arxius

Exercici1 / Oriol Moreno Martí




L'OBRA / COL·LECTIU ARTÍSTIC:







BIOGRAFIA:

BYG pot considerar-se un estudi gràfic amb certes inquietuds enfocades al disseny, la comunicació i la direcció d’art; tot i això aquest, fa referència a quelcom diferent del que aparentment es dóna a conèixer. 

Des del punt de vista dels membres que formen dit col·lectiu, Luis Garcia (Madrid) i Patrícia Bolinches (València), defineixen aquest com un projecte el qual sorgí d’una gran amistat entre dos creatius gràfics/dissenyadors freelance, que d’un dia per l’altre decidiren que el que els faltava a les seves vides era crear quelcom, els permetis anar més enllà dels encàrrecs delimitats que individualment realitzen com a professionals del sector, i sortir en part de la rutina laboral que mantenien. 


En cerca d’aquest projecte, sorgeix BYG un col·lectiu format per dos artistes del collage, que decideixen sobrepassar les dimensions del paper per afrontar projectes lliures, de caràcter personal, a gran escala, i amb el mur com a suport. Actualment Luis i Patricia segueixen treballant com freelance per vàries marques, editorials i entitats reconegudes individualment, i també, gaudeixen i impulsen en les seves estones lliures BYG, projecte el qual ja no només es caracteritza per haver-se introdut a gairebé tots els grans festivals d’art urbà d’Espanya (Asalto-Saragossa; Poliniza-València; Open Walls Conference-Barcelona; Mulafest-Madrid), sinó que finalment ha confluït com un petit estudi on-line ofert tambè a rebre propostes d’encarrecs.


STATEMENT

Les seves obres fan referència conceptualment en la majoria de casos a termes de la mitologia, històries personals, sabers populars i actualitat. I el resultat d’aquestes, en són murals que ens sorprenen per la seva poesia/metàfores visuals, i per la tècnica, pel que fa a la dualitat entre el que és efímer, el paper, i les característiques del mur/context on es troben.


COM TREBALLEN:

Els principals materials/estris per dur a terme la realització de les seves obres de muralisme en son cinc, l’ordinador, el paper, la cola, la impressora i la pintura plàstica. 


Pel que fa a l’ús de l’eina digital en el seu treball BYG acostuma a seguir metodologies de treball diverses, variants pel que fa a el format, l’estètica i el context on se situa l’obra; tot i això, en la majoria de casos segueixen una sèrie de passos similars:

- Fotografia (Raw) i/o escaneig dels elements seleccionats per a dur a terme l’esbós i realització de l’obra; sempre tenint en compte l’alta resolució i qualitat d’aquest/a, ja que posteriorment se’n variarà l’escala. 

- Tractament digital de la imatge mitjançant Photoshop; destacant-ne eines/modes cromàtics com: l’escala de grisos, “duotono”, B/N, i/o la utilització d’algun filtre concret, predeterminat o creat per ells mateixos.  (També s’utilitzarà dit programa per fer el muntatge general i per parts de l’esbós). En alguns casos, pocs, BYG crea la imatge o des de zero mitjançant l’ús del vector amb el programa Illustrator. 

- Posteriorment a la creació de la imatge, l’exportació. Normalment aquesta és exportada mitjançant el format d’arxiu Tiff, per tal de mantenir-ne la màxima qualitat. 

- Finalment i prèviament a posar-se a enganxar i pintar el disseny sobre el mur, la impressió. A causa del gran format de les obres i cada una de les seves parts, imprimeixen aquestes mitjançant plòter (impressió de gran format - injecció de tinta), per tal d’assolir un millor resultat durant la realització.


PERQUÈ BYG:

Finalment concloure aquesta recerca, dient que s’ha escollit BYG per motius diversos, per una banda per tal de donar suport i difusió al treball d’artistes emergents, els quals, han aconseguit trencar amb certs rols de l’art urbà i del disseny/collage, apropant ambdues disciplines a contextos diferents mitjançant una manera personal/estil concret. D’altra banda, per ser bons amics i tindre l’oportunitat de parlar del seu treball en primera persona.


ENLLAÇOS:





____________

Oriol Moreno Martí




TOMMY INGBERG

Tommy Ingberg es un fotógrafo autodidacta y artista visual, nacido en 1980 en Suecia. Trabaja con la fotografía y la edición de imágenes digitales y la creación de montajes surrealistas minimalistas. Su trabajo versa sobre la naturaleza humana, los sentimientos y los pensamientos.
Todas sus obras están compuestas de material que él mismo fotografía, así que empieza teniendo una idea, saca la cámara e intenta reproducir las posiciones de los elementos que ha pensado introducir para posteriormente hacer un collage analógico con las fotografías impresas, para ver como cuadran mejor, lo que hay que eliminar, lo que no, si queda como esperaba o si hay que repetir las fotografías. Después es cuando empieza a montar digitalmente con photoshop la imagen final
Este artista deja la interpretación de su obra al espectador, dice: "Para mí, el surrealismo se trata de intentar explicar algo abstracto como un sentimiento o un pensamiento, que expresa el subconsciente con una imagen.  Durante los dos años y medio he trabajado en la serie he utilizado mi propia vida interior, los pensamientos y los sentimientos como semillas para mis fotos. En ese sentido, el trabajo es muy personal, casi como un diario visual. A pesar de esta subjetividad en el proceso, espero que el trabajo puede involucrar al espectador en sus propios términos.


He escogido a este autor porqué me han atraído sus escenarios surrealistas y su manera de tratar el retoque digital, además de que personalmente las fotografías en blanco y negro me gustan.




Otras fotografías suyas son: